Cornice cinematografica

1- Indicare lo scopo dell'analisi

Possiamo iniziare il progetto con una semplice domanda sull'interpretazione. Il film è senza parole e gli animali non sono rappresentati in modo molto espressivo. Allora come facciamo a comprendere i dettagli dell'azione, le intenzioni dei personaggi? E come evolve l’emozione dello spettatore? Ci concentreremo quindi sugli strumenti che consentiranno da un lato la comprensione delle situazioni della storia raccontata e dall'altro la creazione di un'emozione. Mentre proviamo a concentrarci sulle immagini, possiamo iniziare con una nuova visione senza audio, con queste idee in mente.

2- Vocabolario cinematografico attuale

Prima di iniziare lo studio del film stesso, è utile introdurre le consuete nozioni utilizzate per descrivere le immagini. Definiremo in questo modo:

• La cornice, come ritaglio (scelta) di ciò che vogliamo mostrare, così come l'esterno della cornice, ciò che nella cornice viene suggerito ma non mostrato. Possiamo fare analogie con la pittura, la fotografia, il disegno.
• L'inquadratura come unità temporale del film e come “fotogramma che dura per una certa durata” (non occorre affrontare questioni di collegamento e di montaggio)
• Le diverse scale di inquadratura (piano generale, campo lungo, campo medio, piano americano, primo piano, primo piano, primissimo piano), ciascuna scala corrisponde a un certo rapporto tra l'ambientazione e i personaggi, che gioca sulla comprensione e sull'espressività di ciò che viene mostrato.
• Posizioni e movimenti della telecamera (viaggio, panoramica, zoom, angolazione alto/basso) come mezzo per preservare o evolvere un determinato fotogramma, per introdurre una sensazione particolare.
• Forse alcune figure di montaggio utilizzate nel film: campo/controcampo (alternanza di due vedute da direzioni opposte che consente di confrontare due punti di vista) e dissolvenza (qui usata principalmente come ellisse).

3-Utilizzare gli strumenti sulle sequenze selezionate del film

L'esercizio consiste nel chiedere ai bambini di abbinare, per alcune sequenze scelte, le immagini del film e gli elementi introdotti in precedenza. Ogni sequenza è composta da un certo numero di inquadrature che devono essere descritte riutilizzando il vocabolario trattato.

Si può chiedere loro di lavorare in piccoli gruppi di 2 o 3 su fogli di questionario precostituiti con fotogrammi che illustrano le diverse planimetrie, oppure di partecipare collettivamente al “ritaglio” delle planimetrie, discutendo sulle immagini proiettate. In questo secondo caso, potranno rappresentare essi stessi il piano in disegno (su questionari bianchi) per tradurre la scala del piano.

Quando il vocabolario non può essere applicato esattamente o quando esitano, i bambini sono invitati a prendere nota di questa esitazione e del problema che si pone.

Le sequenze suggerite sono:

• Sequenza di introduzione del personaggio (0'00'' - 0'35'' - 6 inquadrature)
• Il vagabondare nella giungla e la comparsa del lemure (1’40’’ – 2’25 – 12 scatti).
• Il risveglio e il viaggio (4’03”-4’49 – 5 scatti).
• Il ricongiungimento fallito (5’16-5’37 – 4 colpi).
• L’attacco del coccodrillo (5’34-6’38” – 20 colpi).
• Il volo in avanti fino alla caduta del dirupo (6’39-7’04 – 12 tiri).

4- Discussione sulla messa in scena delle sequenze

A partire dalle schede precedenti i bambini confronteranno le loro scelte e discuteranno questioni di messa in scena, cioè la scelta di una determinata tecnica in termini di comprensione ed espressività: in che modo questo aiuta a comprendere meglio ciò che sta accadendo? che emozione provoca? Questa fase si svolge sotto forma di discussione collettiva, guidata dall'insegnante.

A questo punto può essere utile ricordare che il vocabolario presentato era originariamente pensato per descrivere il cinema: personaggi umani, ripresi con una vera telecamera. C'è quindi a priori una certa inadeguatezza in questo film, un cartone animato che presenta animali. In particolare, le scale di ripresa ravvicinate vengono realizzate per evidenziare le emozioni sul volto, cosa che nel nostro caso trova un limite. È questa l'occasione per mostrare che le forme e le tecniche di un media come il cinema producono codici che guidano l'interpretazione, codici che qui vengono ampiamente sfruttati.

Per discutere dell'espressività delle scene, del modo in cui le emozioni vengono suggerite nei personaggi e nello spettatore, trasmesse o in reazione ad esse, possiamo introdurre un ulteriore strumento. Potremmo chiederci qual è la posizione focale su ciascun piano. Di chi è lo sguardo l'immagine? Per semplificare possiamo distinguere due casi: l'immagine può quindi essere inquadrata come se fosse vista da un testimone esterno al racconto (fuoco “esterno”), o al contrario da uno dei personaggi (fuoco “soggettivo”). Ciò aiuterà a comprendere meglio gli scatti in cui la paura è suggerita da inquadrature che sono come viste da un personaggio fuori dall'inquadratura che non abbiamo ancora incontrato mentre spia l'elefantino. Si tratta della costruzione di un'asimmetria di sguardo, dove lo spettatore è svantaggiato, proprio come il personaggio. Qualcuno sta guardando il personaggio, sta per interagire con lui, ma non sappiamo ancora chi sia.

5- Consolidamento dei risultati ed espansione

Infine, i bambini sono invitati a scegliere una delle sequenze studiate e ad attingere alla loro memoria per citare esempi di scene la cui messa in scena sembra a loro simile. Gli esempi citati possono provenire dal cinema (film, cartoni animati), dalla televisione (video musicali, pubblicità), dai fumetti o anche dalla letteratura. Questo lavoro può essere affidato loro da svolgere a casa, ad esempio per un periodo di una settimana. Dovranno indicare il riferimento preciso della fonte e descrivere la scena in questione, nonché i motivi per cui hanno percepito l'analogia nella messa in scena. Poiché può essere complicato poter mostrare fisicamente la sequenza, dovranno descriverla con precisione per iscritto, riutilizzando così il vocabolario introdotto.