marco de cine

1- Indique el propósito del análisis

Podemos comenzar el proyecto con una simple pregunta sobre interpretación. La película no tiene palabras y los animales no están representados de forma muy expresiva. Entonces, ¿cómo entendemos los detalles de la acción, las intenciones de los personajes? ¿Y cómo evoluciona la emoción del espectador? Por tanto, nos centraremos en las herramientas que permitirán, por un lado, comprender las situaciones de la historia contada y, por otro, crear una emoción. Mientras intentamos concentrarnos en las imágenes, podemos empezar con un nuevo visionado sin sonido, con estas ideas en mente.

2- Vocabulario cinematográfico actual

Antes de comenzar el estudio del cine en sí, resulta útil introducir las nociones habituales utilizadas para describir imágenes. Definiremos de esta manera:

• El marco, como recorte (elección) de lo que queremos mostrar, así como el exterior del marco, lo que se sugiere pero no se muestra en el marco. Podemos hacer analogías con la pintura, la fotografía, el dibujo.
• El plano como unidad temporal de la película y como “cuadro que dura una determinada duración” (no es necesario abordar cuestiones de conexión y montaje)
• Las diferentes escalas de plano (plano general, plano general, plano medio, plano americano, primer plano, primer plano, muy primer plano), correspondiendo cada escala a una determinada relación entre el escenario y los personajes, que juega con la comprensión y expresividad de lo mostrado.
• Posiciones y movimientos de la cámara (desplazamiento, panorámica, zoom, ángulo alto/bajo) como medio para preservar o evolucionar un determinado encuadre, para introducir un sentimiento particular.
• Posiblemente ciertas figuras de montaje utilizadas en la película: plano/contraplano (alternancia de dos vistas desde direcciones opuestas que permiten comparar dos puntos de vista) y fundido (utilizado aquí principalmente como una elipse).

3-Usa las herramientas en secuencias seleccionadas de la película.

El ejercicio consiste en pedir a los niños que relacionen las imágenes de la película y los elementos introducidos previamente, para determinadas secuencias elegidas. Cada secuencia se compone de un número determinado de planos que deberán ser descritos reutilizando el vocabulario tratado.

Se les puede pedir que trabajen en pequeños grupos de 2 o 3 personas sobre cuestionarios preestablecidos con fotogramas que ilustran los diferentes planos, o que participen colectivamente en el “recorte” de los planos, discutiendo las imágenes proyectadas. En este segundo caso, ellos mismos pueden representar el plan en un dibujo (en cuestionarios en blanco) para traducir la escala del plan.

Cuando el vocabulario no se puede aplicar exactamente o cuando dudan, se invita a los niños a notar esta vacilación y el problema que surge allí.

Las secuencias sugeridas son:

• Secuencia de introducción del personaje (0'00'' - 0'35'' - 6 planos)
• El vagabundeo por la selva y la aparición del lémur (1’40’’ – 2’25 – 12 planos).
• El despertar y el viaje (4’03”-4’49 – 5 planos).
• El reencuentro fallido (5’16-5’37 – 4 disparos).
• El ataque del cocodrilo (5’34-6’38” – 20 disparos).
• El vuelo hacia adelante hasta caer al acantilado (6’39-7’04 – 12 golpes).

4- Discusión sobre la puesta en escena de las secuencias

A partir de las fichas anteriores, los niños compararán sus elecciones y discutirán cuestiones de puesta en escena, es decir, la elección de una determinada técnica en términos de comprensión y expresividad: ¿cómo ayuda esto a comprender mejor lo que está sucediendo? ¿Qué emoción provoca esto? Esta etapa se desarrolla en forma de discusión colectiva, liderada por el docente.

Llegados a este punto, puede resultar útil recordar que el vocabulario presentado fue diseñado originalmente para describir el cine: personajes humanos, filmados con una cámara real. Por tanto, hay a priori cierta insuficiencia en esta película, una caricatura que presenta animales. En particular, las escalas de primer plano están diseñadas para resaltar las emociones en el rostro, lo que en nuestro caso encuentra un límite. Esta es una oportunidad para mostrar que las formas y técnicas de un medio como el cine producen códigos que guían la interpretación, códigos que aquí se explotan ampliamente.

Para discutir la expresividad de las escenas, la forma en que las emociones se sugieren en los personajes y en el espectador, se transmiten o reaccionan a ellas, podemos introducir una herramienta adicional. Podríamos preguntarnos cuál es la posición focal en cada plano. ¿De quién es la mirada la imagen? Para simplificar, podemos distinguir dos casos: la imagen puede ser enmarcada como si fuera vista por un testigo externo a la historia (enfoque “externo”), o por el contrario por uno de los personajes (enfoque “subjetivo”). Esto ayudará a comprender mejor los planos en los que el miedo es sugerido por encuadres que parecen vistos por un personaje fuera del encuadre al que aún no hemos conocido, espiando al bebé elefante. Se trata de la construcción de una asimetría de mirada, donde el espectador queda en desventaja, al igual que el personaje. Alguien está mirando al personaje, a punto de interactuar con él, pero aún no sabemos quién es.

5- Consolidación de logros y expansión

Finalmente, se invita a los niños a elegir una de las secuencias estudiadas y a recurrir a su memoria para citar ejemplos de escenas cuya puesta en escena les parezca similar. Los ejemplos citados pueden proceder del cine (película, dibujos animados), de la televisión (vídeos musicales, publicidad), del cómic o incluso de la literatura. Este trabajo se les puede encomendar para que lo hagan en casa, durante un periodo de una semana, por ejemplo. Tendrán que dar la referencia precisa de la fuente y describir la escena en cuestión, así como los motivos por los que percibieron la analogía en la puesta en escena. Como puede resultar complicado poder mostrar físicamente la secuencia, tendrán que describirla con precisión por escrito, reutilizando así el vocabulario introducido.